Médiathèque Syracuse

Enfant de l’Amérique des années 60, Brian De Palma est le contemporain des turbulences de l'époque, non seulement de la Nouvelle Vague en France, mais aussi de la médiatisation d'une actualité politique brûlante, Guerre du Vietnam et assassinat de JF Kennedy.
 
L’étudiant en sciences physiques dans la prestigieuse université de Columbia en a développé une passion jamais démentie pour les images. Il en tire une pédagogie mélancolique et doloriste dès lors que la vérité des images tient au savoir de ses puissances de leurre et des regards impuissants à ne pas se laisser capturer. Alfred Hitchcock s'impose alors comme le maître de Brian De Palma, mais pour autant que son meilleur élève est aussi le plus indiscipliné. Le réalisateur est un artiste maniériste qui applique les leçons apprises en les profanant afin d'évaluer ce qui reste, autrement dit ce qui résiste du grand cinéma classique à l'ère postmoderne de la société du spectacle et de la pornographie du tout visible.
 
Le cinéaste des premiers films indépendants new-yorkais (The Wedding Party, Hi, Mom !) et des films de genre des années 70 (le thriller avec Sisters et Pulsions, le film fantastique avec Carrie et Furie) a ensuite varié les registres à partir des années 80, avec un succès inégal. Les films-cultes (Scarface) côtoient les films incompris (Body Double), les chefs-d’œuvre mélancoliques (Blow Out, L'Impasse) précèdent les cartons commerciaux (Les Incorruptibles, Mission : Impossible) ou bien les bides (Mission to Mars).
 
Avec les années 2000, l'errance européenne est de mise pour un cinéaste qui a participé à écrire avec Martin Scorsese et Francis Ford Coppola les grandes heures du Nouvel Hollywood. Le néo-baroque s'essaie tour à tour à des expérimentations narratives à demi convaincantes (Femme fatale), au retour classieux mais vain au film noir classique (Le Dahlia noir) ou à la critique frondeuse de la présence militaire étasunienne en Irak (Redacted), au film d'espionnage raté (Domino) comme au remake réussi (Passion).
 
Voir ou revoir les films de Brian De Palma consiste ainsi à s'aventurer dans le dédale des images qui nous glissent entre les yeux et nous font perdre le fil en faisant de cette perte même la source d'un inquiétude qui est un savoir concernant notre désir – celui, inavouable et inépuisable, d'être leurré, encore et encore.

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The Wedding Party (1963-1969)

Brian de Palma a mis six ans à achever son premier long-métrage, tourné avec des camarades de la Sarah Lawrence College comme William Finley et le professeur Winslow Leach. La comédie sur l'engagement de la jeunesse dans les luttes de l'époque a des excentricités modernistes (accélérés et citations, faux-raccords et ralentis) et ses accents satiriques s'incarnent notamment dans le visage d'un acteur débutant appelé à un grand avenir, Robert De Niro.



Hi, Mom ! (1970)

La suite de Greetings permet au jeune Robert De Niro d'être le porte-parole agité du désarroi de la jeunesse contestataire des années 60. Le temps est désormais à la gueule de bois : l'art contemporain se confond avec le voyeurisme hystérique, les tensions raciales se résolvent dans le sang et la médiatisation du conflit vietnamien se réduit à la jouissance du quart d'heure de célébrité promis par Andy Warhol.



Phantom of the Paradise (1974)

Swan, le propriétaire du label Death records, est à la recherche du futur tube planétaire pour inaugurer sa boîte de nuit. Le film est l'histoire de cette quête, de cette musique, de l'homme qui la créa, de la fille qui la chanta et du monstre qui la vola. Le film le plus glam-rock de son auteur qui livre par la bande son autoportrait en artiste maudit mixe plusieurs inspirations littéraires classiques, du mythe de Faust au Portrait de Dorian Gray de Oscar Wilde en passant par Le Fantôme de l'Opéra de Gaston Leroux. Mais aussi des références à la musique pop-rock des années 60-70, en marquant l'esprit d'autres cinéastes comme Georges Lucas avec Star Wars et Leiji Matsumoto avec Interstella 5555.



Carrie (1976)

Carrie, lycéenne introvertie et brutalisée par ses camarades de classe, est clivée entre ses pouvoirs psychiques naissants et l'autoritarisme de sa mère dont la bigoterie ne laisse aucune place à ses transformations adolescentes. Carrie qui est la première adaptation d'un roman de Stephen King est incontestablement l'une des meilleures. Parfait exemple du genre hollywoodien du teen movie dans sa version rouge sang, le film ouvre les vannes d’une horreur sanguinolente dans des séquences mythiques comme la scène du bal de promotion virant au cauchemar sacrificiel. La relation entre une mère et sa fille n'échappe pas à cette dynamique archaïque en montrant avec une frontalité bouleversante la violence dévorante qui peut caractériser l'amour maternel.



Obsession (1976)

Michael Courtland perd sa femme et sa fille dans un kidnapping qui tourne mal. Vingt ans plus tard, il rencontre une jeune femme qui ressemble étrangement à sa précédente compagne et en tombe amoureux sauf que l'histoire semble devoir se répéter inexorablement. Si le modèle ultime de Obsession est Sueurs Froides (1958) de Alfred Hitchcock, il faut apprécier la qualité troublante d'une reprise qui va plus loin que le seul hommage. Le monstrueux y est une question importante en caractérisant la perte terrible subie par le héros joué par Cliff Robertson. Elle s'envisage autrement dans le rapport étroit des conséquences finales à tirer des fantasmes et des réarrangements familiaux après que le mot fin apparaisse à l'écran, avec le maniérisme auquel se prête Brian De Palma en accédant à son noyau incestueux.



Furie (1978)

Robin, jeune garçon doué de pouvoirs surnaturels, est enlevé sous les yeux de son père, Peter. En mettant tout en œuvre pour retrouver son fils, le héros interprété par Kirk Douglas va faire la connaissance de Gillian, une jeune fille ayant aussi des pouvoirs psychiques, et se servir d'elle. Furie est un film très proche de Carrie, des relations parentales conflictuelles aux pouvoirs psychiques découlant de la métamorphose des corps avec l'adolescence. Le film reste inoubliable en raison d'une grande séquence gore, celle de l'explosion finale filmée sous tous les angles du corps de l'ami manipulateur et duplice joué par le machiavélique John Cassavetes.



Blow Out (1981)

Lors d'une séance de prise de sons sur un pont, un ingénieur prénommé Jack est témoin d'un accident de la route mais en réécoutant la bande enregistrée de l'événement, il perçoit un coup de feu qui indiquerait une tentative de meurtre et décide alors de mener l'enquête. En réalisant Blow Out, Brian De Palma pense à deux films où la question de l'analyse d'un son ou d'une image est décisive pour déceler la vérité d'un crime caché : Blow Up (1967) de Michelangelo Antonioni et Conversation secrète (1974) de Francis Ford Coppola. La force du film tient au noyau de vérité caché dans un cri de cinéma dont la puissance de terreur nous rappelle que son origine n'est certainement pas issue de la fabrication habituelle de l'industrie du cinéma.




Scarface (1983)

Le remake d'un classique de Howard Hawks projeté dans l'actualité de l'émigration cubaine est un sommet baroque et extatique du film de gangsters, habité par un Al Pacino plus shakespearien et halluciné que jamais, dans l'un des plus grands rôles de sa carrière. Tony Montana est un prince métèque qui croit au rêve américain de l'enrichissement personnel mais pour autant qu'il en recrache sa version abâtardie et grotesque, cocaïné et parodique.



Body Double (1984)

Lorsque s'affaisse l'industrie hollywoodienne durant les années 80, entre cinéma d'exploitation et pornographie, le modèle hitchcockien en vient lui-même à morfler. Body Double est moins un plagiat de Vertigo qu'un lifting pratiqué sur un cadavre, c'est aussi un geste de survie ultimement romantique pour un homme qui se sait condamné à marner dans les enfers kitsch du bis.



Les Incorruptibles (1987)

Au milieu des années 80, Brian De Palma a besoin d'un succès pour relancer sa carrière et il lui est donné par l'adaptation des mémoires d'Eliot Ness, le célèbre policier qui a combattu la mafia durant la Prohibition. Le film d'une facture assez classique vaut surtout pour la composition ogresque de Robert De Niro en Al Capone et la séquence célèbre de l'escalier filmée au ralenti, reprise anamorphique d'une scène semblable vue dans Le Cuirassé Potemkine de Sergueï Eisenstein.



Outrages (1989)

Le retour sur le traumatisme encore vif de la Guerre du Vietnam s'inspire de faits réels en éclaircissant la part d'ombre du soldat intimement persuadé d'avoir été une bonne âme en dénonçant ses camarades coupables d'un viol atroce. La rêverie sur des douleurs passées révèle cependant l'aveu indicible de la bonne conscience éthique et son impossibilité pratique dès lors que le viol intégral d'une nation par une autre a la couleur des yeux bleus partagée entre la victime et son bourreau.



L'Esprit de Caïn (1992)

L'Esprit de Caïn n'est pas seulement un thriller rendu nébuleux par la personnalité multiple et fracturée de son héros, c'est aussi et surtout une déambulation onirique et labyrinthique à l'intérieur d'une fiction dont les nœuds sont des courts-circuits entre rêve et réalité. Un film étrange et somnambule, profondément schizophrène, qui expérimente l'équivalence folle du réel et du possible en invitant le spectateur à accueillir l'écume imaginaire d'infinies virtualités narratives.



L'Impasse (1993)

Le plus beau film de Brian De Palma est une méditation noire et mélancolique sur le destin et la croyance nécessaire à se battre contre le cercle de la fatalité. Autre sommet de la collaboration avec Al Pacino après Scarface, L'Impasse est la chorégraphie ample et sublime d'un homme vieillissant qui sait que son dernier tour de piste doit s'apparenter à un ballet grandiose sinon rien, pour la beauté du geste.



Mission : Impossible (1996)

Bonjour Monsieur Hunt, votre mission si vous l'acceptez est d'arrêter un homme qui s'apprête à rendre publique la liste secrète des agents infiltrés en Europe centrale, bien entendu ce message s'autodétruira dans quelques secondes.... En adaptant sur grand écran la série TV éponyme des années 60, Brian De Palma s'autorise de nombreux écarts, par exemple en n'hésitant pas à éliminer la première équipe du héros joué par Tom Cruise, mais c'est pour mieux nous offrir pour notre plus grand plaisir des moments de grâces dignes de La Mort aux trousses où, autre exemple, une simple goutte de sueur peut ruiner toute une opération, aussi sophistiquée en soit l'organisation.



Mission to Mars (2000)

Une équipe d'astronautes part en mission de sauvetage sur la planète Mars sans savoir qu'ils vont être confrontés à des phénomènes dépassant l'entendement. Mission to Mars est un film de commande mal aimé qui propose cependant dans sa première partie quelques morceaux de bravoure. On pense en particulier à une émouvante séquence de sauvetage dans l'espace qui tourne mal où une femme affronte devant ses yeux l'image en train de se fixer de la perte de son compagnon et du deuil qui s'ensuivra pour l'éternité.



Le Dahlia noir (2006)

Los Angeles 1947, deux inspecteurs, Bucky et Lee, sont chargés d'enquêter sur le meurtre d'une actrice dont le cadavre est retrouvé dans un terrain vague, le visage atrocement mutilé. En adaptant le célèbre roman policier éponyme de James Ellroy inspiré lui-même d'un fait réel, Brian De Palma reprend avec une fidélité frôlant la désuétude les codes du film noir des années 40, tout en sondant le sexisme et la cruauté intrinsèques à l'industrie hollywoodienne.



Passion (2012)

Dans une agence de publicité berlinoise, une employée et sa supérieure s'opposent dans une rivalité mimétique qui va les entraîner très loin dans la folie psychotique. Remake particulièrement réussi du dernier film d'Alain Corneau, Brian De Palma utilise une nouvelle fois la technique éprouvée du split screen mais pour en renouveler une nouvelle fois l'usage, en faisant de l'écran divisé l'image d'un leurre doublé de la révélation d'une faille réelle dans la psyché de son héroïne.



Domino (2019)

L'horloge du film d'espionnage remontée à l'heure du djihadisme intéresse moins qu'un certain état des lieux, triste d'être accablant, des images lié au trafic global de leur circulation. Les vidéos d'exécution avouent alors horriblement leur inspiration cinématographique en rejoignant avec la corrida la vieille matrice de la mise à mort et sa représentation spectaculaire.



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Immense fut la carrière de Vincent Price, acteur qui commença à tourner vers la fin des années 30 et traversa sans fléchir les décennies jusqu'au début des années 90 dans l'univers bien connu de Tim Burton. Célèbre pour ses rôles marquants dans des films d'horreur, sa filmographie est aussi bien ponctuée par des personnages de films noirs que par des comédies ou des thrillers. Il a ainsi tourné avec de grands noms du cinéma tels Samuel Fuller, Fritz Lang, Otto Preminger, Roger Corman ou bien entendu Tim Burton.

Son timbre de voix (un point commun avec son compère l'autre grand acteur de l'horreur Christopher Lee) a marqué des générations de cinéphiles mais aussi de mélomanes : l'acteur hollywoodien a été doubleur pour des dessins animés, a participé à des projets musicaux d'envergure (dans des clips musicaux ou des concerts d'amis comme Alice Cooper) et à assuré la voix off dans des films.

Retenons au moins trois participations. La première se situe dans un film injustement peu connu de Tim Burton : un court-métrage et sans doute le plus beau film de sa carrière tout format confondu, Vincent (1982). Vincent Price assure la narration et sert fictivement de modèle absolu au jeune héros de l'histoire. La deuxième participation se situe dans le clip historique (le meilleur clip de tous les temps) de Michael Jackson, Thriller, réalisé en 1983 par John Landis (grand cinéaste de l'horreur). La voix terrifiante de Vincent Price et son fameux rire sardonique sont entendus à la fin. Et enfin dans un genre plus enfantin, sa participation à un projet Disney : le doublage original de la voix du méchant Ratigan dans Basil détective privé (1986) de John Musker et Ron Clements.








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