Les 70 ans des Cahiers du cinéma
Les Cahiers du cinéma fêtent leur 70ème anniversaire
La revue de cinéma la plus mythique a son histoire si exceptionnelle qu'elle a bouleversé celle du 7ème art.
Un jour de février 1951, une poignée de cinéphiles se retrouvent dans un tout petit bureau du 146 de l'avenue des Champs-Élysées pour réfléchir au lancement d'une nouvelle revue de cinéma. Parmi eux, on compte Jacques Doniol-Valcroze et André Bazin qui ont travaillé ensemble à La Revue de cinéma de Jean George Auriol jusqu'à son décès survenu dans un accident de voiture quelques mois auparavant. Les Cahiers du cinéma naissent le 1er avril 1951 en imposant une approche originale alliant l'amour du cinéma et la rigueur de l'écriture à la défense des films qui, alors, sont en train de renouveler en profondeur le paysage du cinéma mondial.
Le legs d'André Bazin
Animateur venu de l'éducation populaire née avec la Libération, spectateur amateur et cinéphile érudit, André Bazin est un critique d'exception dont le génie va proposer une réflexion originale ouvrant un champ nouveau à la compréhension du cinéma. André Bazin est le contemporain des grands bouleversements techniques et historiques de son temps, avec la profondeur de champ privilégiée par des réalisateurs hollywoodiens comme William Wyler et Orson Welles et l'ouverture documentaire offerte par le néoréalisme italien. Il est aussi un grand lecteur de philosophie alors marquée par la phénoménologie d'Edmund Husserl et l'existentialisme de Jean-Paul Sartre. C'est avec de tels bagages qu'André Bazin peut rappeler la vocation primitive du cinéma consistant depuis l'invention des frères Lumière dans l'enregistrement de la réalité.
Héritée de la technique photographique, l'ontologie de l'image cinématographique invite ainsi le cinéma de fiction à un nouveau réalisme qu'indiquent les grandes œuvres du documentaire (Robert Flaherty) et que parachève à l'époque la diffusion télévisuelle. Le temps se dépose dans les plans considérés comme les traces mobiles de la durée. La théorie bazinienne dispose d'une puissance de novation telle qu'elle va durablement influencer la jeune génération de critiques de la revue. Elle qui envisage l'exercice critique comme une école d'apprentissage théorique du regard pense déjà à la préparation pratique des films dont certains essais brillent dans le format du court-métrage, par exemple avec Le Coup du berger de Jacques Rivette en 1956 et Les Mistons de François Truffaut en 1957.
André Bazin meurt d'une leucémie à l'âge de 40 ans, le 11 novembre 1958. C'est le premier jour de tournage des 400 coups de François Truffaut qui considérait le rédacteur en chef des Cahiers comme un père et à qui il a dédié son premier long-métrage qui va casser la baraque au Festival de Cannes de 1959.
La révolution symbolique des Jeunes-Turcs
C'est le temps de ceux que l'on surnommait les Jeunes-Turcs. Menés par Eric Rohmer, ils comptent dans leur rang des personnalités aussi fortes et différentes que Jean-Luc Godard, Jacques Rivette et le plus jeune de la bande, François Truffaut. Leur ligne va progressivement s'imposer à la revue, non sans discussion, dans le courant de l'année 1953-1954, en associant au goût du cinéma hollywoodien identifié à Alfred Hitchcock et Howard Hawks la défense des maîtres anciens comme Jean Renoir ou plus récents comme Roberto Rossellini. La "politique des auteurs" se veut une ligne à la fois de défense et d'attaque, d'un côté avec la revalorisation de réalisateurs seulement considérés comme des faiseurs de divertissement, de l'autre avec le dégommage en règle de l'académisme du cinéma français dont la tendance est ironiquement qualifiée par François Truffaut de "cinéma de la qualité".
L'époque est alors aux grands clivages idéologiques et le goût de l'Amérique est mal perçu à gauche, des communistes des Lettres françaises à la gauche non communiste représentée par l'autre grande revue apparue peu de temps après et la rivale préférée des Cahiers, Positif, basée à Lyon. Pourtant, les Jeunes-Turcs rejoints par Claude Chabrol ont raison : l'auteur d'un film n'est pas son scénariste mais son metteur en scène ; la force d'un film ne se mesure pas à son sujet mais à la force intrinsèque de sa réalisation ; les cinéastes sont des artistes d'aussi grande importance que les grands peintres, romanciers et musiciens ; le cinéma est l'art du 20ème siècle qui ne l'est qu'en respect de ses spécificités objectives propres ; la modernité du cinéma consiste aussi dans le parachèvement de son classicisme.
La bataille est rude, elle se joue partout, dans les cinéclubs et les salles de cinéma du Quartier latin, dans les festivals et les autres revues (comme Arts où François Truffaut a ses entrées). Elle se joue décisivement aussi à la Cinémathèque fondée par Henri Langlois en 1936 avec Georges Franju et Jean Mitry, une école de pensée digne de Platon où tous les cinéphiles parisiens d'alors font leurs classes, particulièrement les critiques qui pensent de plus en plus à tourner leurs propres films.
Avec eux, une véritable révolution symbolique s'impose. C'est grâce à cette révolution qu'Alfred Hitchcock est reconnu comme un génie. Le prouve la première monographie qui lui est consacrée en 1957, signée d'Eric Rohmer et Claude Chabrol, suivie par le grand livre d'entretiens menés par François Truffaut, le classique Hitchbook en 1966. Une jeune génération qui a pour passion commune l’œuvre romanesque de Balzac monte à l'assaut du cinéma, tel Rastignac à Paris, sans respecter les règles d'intégration d'une corporation alors aussi fermée qu'une forteresse. Et elle a gagné : Le Beau Serge (1957) de Claude Chabrol et, deux ans plus tard, Les 400 coups de François Truffaut et À bout de souffle de Jean-Luc Godard sont d'immenses succès publics.
La Nouvelle Vague est née et elle va essaimer partout. Son insolente modernité est un exemple bientôt suivi dans le monde entier. Notamment aux États-Unis où des jeunes gens comme Francis Ford Coppola, Martin Scorsese et Brian De Palma vont s'inspirer de ses leçons, tourner dans la rue en documentant le quotidien, filmer sa génération, ses histoires d'amour et ses désillusions.
Les batailles de la modernité
Au début des années 60, les Cahiers du cinéma sont devenus un titre qui a le vent en poupe. Pourtant la revue doit essuyer plusieurs crises, internes et externes.
Eric Rohmer qui en est le rédacteur en chef depuis 1957 est poussé vers la sortie par Jacques Doniol-Valcroze, François Truffaut et Jacques Rivette. Ceux-ci considèrent que la ligne qu'il poursuit défend peu la Nouvelle Vague en s'intéressant encore moins à l'efflorescence des nouveaux cinémas apparaissant à ce moment-là. Ses opinions conservatrices tranchent aussi avec une époque marquée par la fin de la Guerre d'Algérie. Eric Rohmer s'en va en 1963 avec Jean Douchet et deux jeunes cinéphiles, Bertrand Tavernier et un certain Barbet Schroeder. Ce dernier va monter une petite société de production, Les Films du Losange, dédiée à produire la série de films que le critique envisage alors de réaliser. L'insuccès de son premier long-métrage, Le Signe du lion, tourné en 1959 grâce à l'apport financier de Claude Chabrol mais ne sortant en salles qu'en 1962, va pouvoir être ainsi compensé par la série des Contes moraux (1962-1972) qui vont asseoir mondialement la réputation de moraliste d'Eric Rohmer.
Jacques Rivette galère aussi dans la réalisation de son premier long, Paris nous appartient tourné en 1958 et sorti en 1961 mais sans rencontrer le succès des copains. Il est cependant aux commandes des Cahiers en 1963 et ouvre la revue à une nouvelle génération de critiques, Jean-Louis Comolli et Jean Narboni qui arrivent d'Alger et le rejoignent en 1962, les plus jeunes Louis Skorecki et Serge Daney en 1964. La Nouvelle Vague est alors plus systématiquement défendue, ainsi que tous les nouveaux cinémas qui fleurissent, au Japon, dans les pays de l'Est, aux États-Unis comme au Brésil. La modernité est une ligne que défend également la revue avec une exigence théorique qui l'invite à s'entretenir avec les grandes figures intellectuelles incarnant l'inventivité de l'époque, Roland Barthes et Claude Lévi-Strauss du côté des sciences humaines, Pierre Boulez en musique, etc. Le rachat du titre par Daniel Filipacchi, l'homme de Salut les copains, met fin à l'époque dite des Cahiers jaunes. Le repreneur fait craindre une dérive commerciale, il n'en sera rien.
Les Cahiers de l'époque gagnent en audience tout en maintenant un cap théorique fort qui accompagne les mutations de l'époque. D'autres crises surviennent, lors de la censure gaullienne de Suzanne Simonin, la Religieuse de Diderot (1966) de Jacques Rivette avec Anna Karina et le limogeage du gardien des trésors de la Cinémathèque en février 1968. Les deux batailles sont gagnées en participant à la politisation croissante de la revue, contemporaine de l'effervescence de Mai 68. Après le structuralisme, la sémiologie et la psychanalyse, le marxisme devient la langue commune de la revue et, après un flirt avec le PCF jusqu'en 1969, les Cahiers du cinéma adoptent un ligne politique maoïste dont la tendance fait fureur dans les rangs gauchistes. Grand moment de poussée théorique et critique, mais une traversée du désert aussi qui aurait pu coûter la vie à une revue en panne non d'idées mais de lecteurs.
Les Cahiers du cinéma et ses vies ultérieures
En 1973, Jean-Louis Comolli quitte la revue dont il est le rédacteur en chef depuis 1965 pour passer à la réalisation comme il est de mise avec la "tradition" Cahiers, remplacé par Serge Daney et un jeune étudiant, Serge Toubiana. Le second deviendra le directeur de la Cinémathèque française entre 2003 et 2016, le premier le meilleur critique de sa génération en passant des Cahiers à Libération en 1981. Après « la période non légendaire des Cahiers » durant les années 70, la revue qui atteignait alors à peine les 2.000 ventes mensuelles redevient plus largement lisible et accessible avec les années 80, sans céder cependant sur la politique des auteurs et la diversité géographique et culturelle de ses manifestations.
Depuis, Serge Toubiana et Alain Bergala, Thierry Jousse et Antoine de Baecque, Charles Tesson et Jean-Marc Lalanne, Emmanuel Burdeau et Jean-Michel Frodon, Stéphane Delorme et Jean-Philippe Tessé ont successivement dirigé la revue en la conservant comme un titre de référence. Après sa mise en vente par le groupe La Vie-Le Monde en 2008 et son rachat en 2009 par le groupe d'édition d'art Phaidon, les Cahiers tentent de renouer avec une ligne plus politique afin de redonner une forme de prise sur l'actualité qui cesserait d'en faire une revue seulement rentière de son prestige. La revente du titre en 2020 par un groupe de propriétaires de médias conduit au renouvellement de son équipe rédactionnelle avec l'arrivée des critiques Marcos Uzal et Charlotte Garson. La vente mensuelle se maintient à 15.000 exemplaires.
Avril 2021, les Cahiers du cinéma soufflent leurs 70 bougies. On aurait tort de ne pas participer à célébrer la jeunesse à l'épreuve du temps, par exemple en découvrant tous les documents disponibles dans les collections des médiathèques, la revue bien sûr, mais aussi les livres et les films, qui témoignent que les Cahiers ont raconté le cinéma autant qu'ils ont participé à en écrire l'histoire.
Hommage à Bertrand Tavernier
On apprend la disparition de Bertrand Tavernier à l'âge de 79 ans. Ce cinéaste né au début des années 40 à Lyon est connu pour avoir aimé le cinéma de plusieurs façons. Il a bien entendu réalisé des films ressortissant à des genres différents, du film de guerre au film historique en passant par la comédie dramatique. Ainsi on citera L'Horloger de Saint Paul (1974) qui est son premier film, Le Juge et l'assassin (1976) avec un Michel Galabru méconnaissable, le documentaire La Guerre sans nom (1992) dédié aux appelés durant la Guerre d'Algérie ou Dans la brume électrique (2009) avec Tommy Lee Jones et tourné aux États-Unis. Sa dernière réalisation pour le cinéma comme la télévision est une authentique preuve d'amour adressée au cinéma français, Voyage à travers le cinéma français (2016), ses souvenirs d'enfance et de critique se mêlant à la fine évocation des grands films.
Cinéphile passionné et érudit, président de l'Institut Lumière dans sa ville de Lyon, Bertrand Tavernier a écrit des livres consacrés au cinéma américain (avec un classique coécrit avec Jean-Pierre Coursodon, 50 ans de cinéma américain), il a dirigé aussi une collection de Actes Sud, "L'Ouest, le vrai", en écrivant la postface de grands classiques de la littérature western. Il a été également un féru de jazz comme en témoigne le portrait d'un saxophoniste joué par Dexter Gordon dans Autour de minuit (1986), un film récompensé par deux César et un Oscar. En 2015, la Mostra de Venise lui remet un Lion d'or pour l'ensemble de sa carrière.
Vous pouvez dès à présent emprunter ou regarder en ligne les documents ci-dessous.
Hommage à Jean-Claude Carrière
A 89 ans, Jean-Claude Carrière s'est éteint dans son sommeil.
1957 est l’année où Jean-Claude Carrière a commencé à "conter" (comme il aimait bien le dire) en publiant des romans d’épouvante sous le pseudonyme de Benoît Becker. Ce n’est qu’à partir des années 60 que sa carrière cinématographique se concrétise avec deux grands noms du cinéma : Pierre Etaix et Jacques Tati. 1964 marque la première collaboration avec Luis Buñuel sur Le Journal d’une femme de chambre d’après le roman éponyme d'Octave Mirbeau.
S’ensuivront d’autres collaborations scénaristiques avec de grands noms du cinéma mondial, Luis Buñuel (avec six films), Nagisa Oshima (Max mon amour), Nicolas Klotz (La Nuit Bengali), Milos Forman (Les Fantômes de Goya), Philippe Garrel (Le Sel des larmes) ou Louis Malle (Milou en mai). Parallèlement à sa carrière de scénariste, Jean-Claude Carrière n’abandonne pas sa casquette d’écrivain, publiant la plupart de ses scénarios ou des romans marquants comme La Controverse de Valladolid en 1992 (dont il a aussi assuré l’adaptation cinématographique).
La profession honore aujourd'hui sa mémoire en célébrant le scénariste le plus cultivé du cinéma français.
Nous vous proposons trois différentes sélections pour rendre compte de ses différentes contributions :
- au cinéma français
- au cinéma étranger
- à la littérature
Hommage à Christopher Plummer
Nous vous proposons une série de documents à emprunter ou à voir en ligne consacré à cet acteur très souvent habitué aux seconds rôles.
Hommage à Jean-Pierre Bacri
Ci-dessous, notre sélection de films à emprunter ou à voir en ligne :
BD et cinéma, bande et contrebande
Notre panorama dédié aux riches liaisons entre septième et neuvième arts s'amuse à cocher plus d'une case et souffler plus d'une bulle et nous vous invitons à nous rejoindre et jouer avec nous en passant de l'autre côté de l'écran.
Ce qui s'impose d'emblée, ce sont les adaptations fastueuses produites par Hollywood , riches en effets spéciaux numériques, comics US des maisons rivales DC et Marvel, les aventures de Tintin animées par Steven Spielberg et Guillermo del Toro, Watchmen d'Alan Moore par Zack Snyder, Sin City de Frank Miller par lui-même et Roberto Rodriguez.
Parallèlement, des dessinateurs reconnus passent à la réalisation en adaptant leurs univers propres, par exemple en France avec Marjane Satrapi et Joann Sfar. On pense encore au beau générique animé concçu par Kuntzel + Deygas pour l'adaptation du Petit Nicolas par Laurent Tirard. Et pour changer de continent, on peut enfin aller au Japon pour convoquer l'adaptation d'Akira par Katsuhiro Ôtomo.
En remontant le cours de l'histoire du cinéma, on trouve déjà des cinéastes qui ont appris le sens du dessin avec les bandes dessinées publiées après 1945. C'est le cas en Italie de Frederico Fellini qui a aiguisé son goût du merveilleux et de la caricature au carrefour des silly symphonies de Walt Disney et des fumetti, ces "petites fumées" italiennes qui ont été une école d'apprentissage pour Hugo Pratt, le créateur de Corto Maltese. L'un des fumetti les plus connus est Diabolik adapté au cinéma par Mario Bava en 1968, parodie pop des films d'espionnage à la James Bond. C'est enfin Sergio Leone qui a repris les codes du western en les exarcerbant génialement, frottés aux formes populaires italiennes, opéra et récit picaresqure, commedia dell'arte et théâtre de marionnettes, sans oublier bien sûr la bande dessinée.
Les années 60 représentent une décennie faste pour croiser cinéma et bande dessinée, particulièrement en France. D'un côté, Jean-Luc Godard pose côte à côte citations de Mao et citations de comics en repeignant les engagements militants de l'époque aux couleurs franches du pop art. De l'autre, Alain Resnais, son contemporain qui est un immense bédéphile ayant longtemps caressé le rêve d'adapter les aventures de Harry Dickson, a travaillé avec plusieurs auteurs de bande dessinée, Enki Bilal, Floc'h, Blutch. Bruno Podalydès se reconnaît aujourd'hui un double héritage, chez Hergé et chez Alain Renais. Dans l'immédiat après Mai 68, Jacques Doillon adapte la BD libertaire L'an 01 de Gébé où entre autres apparaît un jeune acteur promis à un grand avenir, Gérard Depardieu.
Il y a aussi les génies, le suisse Hans Ruedi Giger et le chilien Alejandro Jodorowski, dont les visions tantôt sombres, tantôt baroques, toujours excessives, ont déposé leurs œufs, parfois dans les mêmes paniers, dans des projets qui ont bouleversé le paysage de la science-fiction, avec la saga Alien et la première adaptation monstre et inaboutie du cycle Dune de Frank Herbert.
Et puis il y a les singularités avec tous ces moments où cinéma et bande dessinée s'entrelacent comme un anneau de Möbius, miroirs traversés et parenthèses enchantées, manga sur la Révolution tourné en France et adapté en anglais par Jacques Demy, bonus dessiné en épilogue de Shaun of the Dead d'Edgar Wright, comics fictif à l'intérieur de Under The Silver Lake de David Robert Mitchell.
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